李可染 《万山红遍层林尽染》 69.5cmx45.5cm

石齐 《黄金时节》 68cmx68cm

尚涛 《芳泽》 138cmx69cm

许钦松 《云壑古道》

庄小尖 《腾冲乡村》 76cmx55cm
 

　　常规而言，六尺以上(含六尺)的中国画一般都可以称之为“大画”。近年来，随着国民素质的提高和艺术品市场的升温，“大画”越发有流行趋势。同时，也不时有批评国画创作“假、大、空”的声音出现。那么，“大画”究竟为何深受艺术家和社会的热捧？“假、大、空”的现象是否真的存在？且看业界专家们的评弹。

 

　　评论家、画家 梁江——

 

 

　　当今“大画”有悖中国画的发展方向

 

　　“大画”和“小品”，其实并非一个对称的范畴。“大画”一般指的是尺幅的大，而“小品”一般指的是画作的情调，主要是从其内涵、情趣来定位的，属于文人画的一种类别。传统中国画中，也没有“大画”这一提法，像《清明上河图》，我们不会称之为“大画”，而是叫“长卷”，清代出现的很多宏大历史作品，譬如《康熙南巡图》，我们也称之为“长卷”。新中国成立后，由于意识形态的需要，展示功能的演变，作品被放到专门的美术馆、展览馆展出，绘画成了主题性创作，就像京剧本来是一种广场艺术，被放到镜框式舞台演出，成为了高雅艺术。

 

　　多年来，主题性创作是当代中国美术创作的主流，有其历史必然性和特殊功能，也推出了不少优秀的作品。但“大画”创作发展到今天，呈现了一些不好的倾向。本来，中国传统绘画属于文人雅集、雅赏，有沙龙性质，变成了宣传性的主题创作后，跟陶冶性情的本义已经有很大区别了。现在，一些画家为了抢眼球，更是把作品画得越来越大，甚至比壁画还大，跟古人比简直南辕北辙。我经常参与策划大型的美术展览，有时候一些作品连中国美术馆的展厅都没法竖起来，要斜着放，还顶着天花板。重大历史题材作品的全国巡展，我也主持过多次，每次都相当费劲，有的一件作品就得动用一个集装箱，或者要进行拆分，到了场地后再重新组装。这种趋势，似乎连中国美协都难以压制得住。每次全国大展，组委会都会下死规定，要求作品的尺寸不能超过多少，否则就失去参评资格，但每次还是有突破规格的作品出现。

 

　　事实上，作品尺寸大，不见得内涵就丰富。今天的很多“大画”，已经完全超出了中国画的承受度，有悖于中国画的发展方向。在中国美术馆这些年，经验告诉我，画家办展览，如果为了圆厅专门创作一张“大画”，往往是吃力不讨好的事，无法代表他的艺术水准。反之，很多时候是那些八尺、六尺甚至更小的作品，能充分展现画家的造诣、水平和追求。但大家为什么还要孜孜不倦地弄几张“大画”呢？无非是为了吸引公众的目光，就像现在的展览开幕式，如果没有很多人参与剪彩，就似乎无法显示一位艺术家的影响力一样。

 

　　所以，我们要告诉公众，作品的艺术价值并非跟画幅大小成正比，中国画只有回归到合适的尺寸，才真正适合于欣赏。在展厅或者会议厅陈列的作品，确实需要一些庙堂气，作品可以大一些，但再大也要适可而止，不能为了大而大，变成大而空洞、大而无当。

 

　　国画家 庄小尖——

 

 

　　小尺幅画作更能体现艺术家的境界

 

　　虽然好画没有大小之别，但总体而言，小尺幅画作更能体现艺术家的风格、能力和境界。

 

　　在我看来，一位画家不用移动身体，手臂伸出后所能达到的半径距离，最能发挥画家的能力。因为在这种情况下，画家以身体为轴心，眼睛能一览无余，整个画面都在视野的有效控制范围内，作品会呈现什么样的面貌，随时可以把控、调整。

 

　　而“大画”无法整体映入眼帘，创作过程不时要退一步来看；时间上也无法连续，会有各种因素影响、干扰到画家的思想、情绪，想画得很连贯比较难。古代的画作都没那么大，如宋画，很多只有三四十平方厘米，但这些作品画面虽小，意境很大。即使古人的一些挂轴相对大一些，恐怕他们也想象不到二十世纪、二十一世纪的后来人，会把国画的尺幅放到这么极致。

 

　　我想，国画的体量之所以越来越大，不外乎两个原因：

 

　　一是现在画画的人特别多，画家要参加每五年一次的全国美展，需经过多轮淘汰赛，评委在短时间内要阅画上千张，由工作人员将画抬出来给他们看，小画重在细节，他们肯定看不到，因此画家只能拼命画大作品，不然还会显得“不够努力”。此外，现在的展览条件也比较好，有专门的美术馆可以展出，经常还得分门别类，如此多的作品，观众通常只会走马观花看一圈，注重的是视觉效果，如果作品小，完全会被忽略掉；

 

　　二是中国艺术品市场这几十年来出现了一个“怪现状”——卖画都以平方尺来论价，很多藏家又不太懂画，以为尺寸大气魄也大，这使得很多画家拼命加大作品的体量。今天，在市场上流通的国画作品，其总面积估计要超过以前多少个朝代画作的面积总和。古今中外，恐怕也从来没有哪朝哪代的艺术家像我们今天的画家一样，过着如此滋润、体面的生活。

 

　　前人作画，多数是为了陶冶性情、抒情写意，为了卖画而作画的，向来不多。而今天很多画家为名为利，揣摩市场、揣摩买家的心意，乐此不疲，如此动机不纯，很难出真正的好作品。可以说，这是画家最好的时代，也是最坏的时代，是国画创作的疯狂时代。

 

　　中国美协副主席、广东省文联主席 许钦松——

 

 

　　当代国画大家的代表作多为“大画”

 

　　国画大作出现，有其时代的必然性。社会的公共空间越来越大，美术馆、博物馆等艺术陈列场所的出现，使得人们的欣赏习惯变了，眼界也跟过去大不相同了，意识、胸襟都要博大、开放得多，这些都使得艺术作品在尺幅上呈现出不同的面貌，国画与时俱进自然不可例外。

 

　　当代“大画”中佳构甚多，不少国画大家的代表性作品都是大作品，像关山月的《江山如此多娇》、《长城内外尽朝晖》，气势磅礴，雄伟壮观，再如黎雄才、傅抱石等人的“大画”，也都非常精彩。

 

　　就我自己的经验而言，创作“大画”非常不容易。驾驭“大画”，有如打一场大战役，会碰到很多技术难题。首先，“大画”需要有主题构思，框架要有力度；其次，表达上要很强悍，画面上会出现各种各样的矛盾，解决好了作品才能撑得起来；第三，画面要呈现个人风貌和独特意境，把艺术性和思想性高度结合起来；另外，“大画”的创作常常要历时一两个月甚至半年时间，如何做到气韵贯通、画面饱满、情感表达统一、笔墨不受情绪变化影响，是很难的。因此，“大画”往往考量一位画家的整体素质和掌控能力，挑战性很高，绝不是“小品”的简单放大。

 

　　当然，“小品”也有它的意义和价值，“小品”可以让画家更放松、更自由地表达个人情感。因此，画起来比较得心应手，可以更讲究笔墨情趣，兴之所至，笔墨俱到，丝丝入扣，纤毫毕现。像岭南画派四老——赵少昂、黎雄才、关山月、杨善深上世纪80年代合作的那批作品，每个人都是寥寥数笔，却又很协调，很有品味的空间。本质上，好画没有大小之分，“小品”是柔情的，“大画”是深刻的，就像小夜曲和交响乐之别，各有各的精彩。

 

　　至于被人诟病的“假、大、空”现象，今天也确实存在——有些作品只有大的框架而没有具体内容，在细微的表达上不够深入，因此经不起推敲和咀嚼。其实，“大画”在细节上应该有“小品”的某些特点，每一个局部才会耐看。就如长城，尽管那么长、那么壮观，但也是由一砖一石砌成的。

 

　　国画家 石齐——

 

 

　　“大画”“小品”只是风格之别

 

　　作品要画得很大还是较小，归根到底要看画家本人的个性和画风。有些画家的胸襟、性情、学识都适合于画大作品，一旦画面小了，就容易显得小气。

 

　　举例说吧，像黄胄，就适合画“大画”，因为他的笔墨很奔放，画大作品会很有气魄、很洒脱。而像李可染的作品，通常是一张四整尺裁三裁，为什么他喜欢画“小品”？因为他的风格比较凝重，画面一层一层地晕染，如果画得太大，很难做得这么讲究。虽然在精细度上，黄胄的作品不及李可染，但两人的作品并无孰高孰低之分，只是风格有别。

 

　　就我自己而言，作品的尺寸也要适当大一些，但我用在一张作品上的时间，常常是现在一些画家的三到五倍，因为我的画都是三象合一，画面要协调，有很多难点，需要反复画，快了是出不来的。而王明明的作品，尺寸相对要小一点，因为他画得很文气。可以说，一张作品只要画地道了，大小不是衡量的标准。就像做人一样，只要做得到位，谁会在意他的高矮胖瘦？

 

　　另外，很多时候也未必是画家要画大作品，而是一些地方就要“大画”。因为公共场所越建越大、越来越好，作品要与之相称，规格上肯定要大，这也是当代社会的一种需求吧。

 

　　当然，现在确实有很多“大画”比较粗糙。“大画”其实对笔墨、章法的要求非常高，要做到画面层次感强，内容丰富，只图快是不行的。像李可染、陆俨少、傅抱石、潘天寿等画家，他们的创作态度都很严谨，推敲又推敲，点染又点染，所以作品无论大小，都能臻于妙境。假如李可染画一张大作品，我估计没有半年时间他是断不会停笔的，而现在的很多画家，可能一个星期就完成了。而且，以前的画家，不是在画画就是在看书，炒作非常少，应酬也不多；今天的画家，书看得少，用在画作上的时间又不够，心思多在跑关系和炒作上，只关注自己的画一平尺多少钱，比较功利、现，佳作也就出不来了。因此，从根本上讲，不是今天的画家水平不行，也不是“大画”难出彩，而是很多画家的创作态度远不及前辈，才会有“假、大、空”现象存在。