北京 作为时代美术的风向标，全国美展成就、影响和激发了新中国成立以来数代美术家。12月15日，“第十二届中国美术作品展览暨中国美术奖·创作奖、获奖提名作品展”在中国美术馆隆重启幕。

 

　　本次展览展出160件第十二届“中国美术奖·创作奖”获奖作品。遴选出金奖作品7件，银奖作品18件，铜奖作品49件，优秀奖作品86件。通过展览，可以一窥主流美术的创作趋势。金奖作品中，《儿女情长》(中国画)、《而立之年》(版画)引人注目。《三十而立》的作者彭伟来自重庆，与30年前以《父亲》获得全国美展金奖的罗中立来自同一城市。30年间，中国人面孔在艺术家画笔下的变化，引发了深层的思考和讨论。

 

　　《儿女情长》：工笔画下小家庭的喜乐

 

　　摘得本届全国美展“中国美术奖·创作奖”金奖的作品有《儿女情长》(中国画)、《桥上的风景》(油画)、《而立之年》(版画)、《亮宝节上的人们》(水彩·粉画)、《织情叙意》(漆画)、《为西部农民生土窑洞改造设计》(艺术设计/环境)以及《刻在北大荒的土地上》(插图)。

 

　　陈治、武欣夫妇合作的工笔画《儿女情长》，以清新的构图和典丽的色彩，描绘家人团聚的生活场景。“这幅画赢得评委的高度赞同，主要因为这也是我们今天的社会特别渴望的：儿媳妇拿一件毛衣给婆婆，婆婆正在给大家擀面条。形式很普通，但今天中国社会发展这么快，我们特别需要这种非常真切的情感和关心。”中国美协分党组书记、常务副主席吴长江告诉记者。

 

　　艺术家陈治介绍说，这幅画是父亲生病时画的，“当时我守了他很长时间。这就是我的家庭生活，完全是写实的。除了那对青年夫妻用的是两个模特，父亲、母亲和小女儿都是生活里真实的原型。”对于技法，陈治谈道：“新旧工笔画只是一种区分。任何画种都有传统，也都有新的东西。在传统里融入新的感受，这种作品才能往前推动美术的发展。”

 

　　《而立之年》：80后木刻作品的力度

 

　　80后艺术家彭伟的肖像画《而立之年》，是本次获奖作品里的焦点。这幅长1.2米，宽80厘米的肖像版画，以木口木刻的技法，斫刻出一位面容方正、头发蜷曲、目光坚定的青年形象。初看貌不惊人，但仔细观察，会被作者精湛的刀工、持久的耐心和人物钢圈般的发丝所体现出来的韧性和力度所打动。

 

　　“《三十而立》，健康、有坚定的信心，表现了对未来的期待。我们看了以后觉得很有劲儿。”吴长江介绍，这幅作品获得十二届全国美展金奖的消息，在山城重庆引发了街头巷尾的热议。30年前，罗中立的肖像画《父亲》在第二届全国青年美展中获得金奖，引起全国震动。30年后，同为肖像画的《而立之年》斩获分量极重的“中国美术奖·创作奖”金奖。重庆美术界为此连接召开了两次研讨会，认为《而立之年》里的年轻人，正是30年前那位质朴动人的《父亲》的儿子。

 

　　彭伟在受访时谈到，在整个创作过程当中，他比较注重人物情感、心理情绪的描写与刻画。“80后一代的精神气质，与60后、70乃至90后的不同，这是我的作品刻画的重点。我选择了身边一位普通的、同龄的男性青年作为原型，他略带迷惘却自信的目光，青葱岁月的坚毅和奋发，正是我们80后一代从青涩走向成熟的鉴证。”

 

　　这幅画，艺术家选用西方木口木刻的版画语言作为方式，采用了当代视觉语言的普遍技术和大尺幅的构图，力图把木口木刻特殊的品质与视觉感受呈现出来。“具有古典木口木刻品质与当代视觉取向的黑白木刻语言，并使它本土化，成为中国当代木刻的一种表达方式。”彭伟说。

 

　　美展扫描

 

 

　　小画种表现突出，实验艺术缺位

 

　　中国文联副主席、中国美术家协会主席刘大为指出，本次美展在艺术形式多元化、边远地区艺术家获奖率等方面有所进步，但体现出“有高原无高峰”、有佳作无惊喜的现象。从前不太被注意的小画种，水彩、漆画、壁画、版画、年画、连环画等因技术进步而表现突出，备受关注的大画种国画、油画、雕塑反而相对弱势。

 

　　获得金奖的漆画作品《织情叙意》，风格细密精美，在展厅里与油画、国画比肩而立而毫不逊色。专家认为，漆画、版画、年画等小画种，正在由工艺向着纯粹的艺术性靠近。与之相反，作为传统艺术门类的雕塑，却愈来愈具有工艺性特色。

 

　　动画只占据了本次展览很小的一个角落，却吸引了许多观众的注意。“十几个人安安静静坐在那里动都不动，说明今天的观众会被这样的形式和语言所吸引。我也在那里看了一刻钟，片子很好。这在全国美展的观念转型、语言转型和形式转型的过程里，是个好征兆。”中国美术馆研究与策划部主任张晴告诉记者。

 

　　今年全国美展首次设立实验艺术展区，覆盖今日美术馆三个展馆的实验艺术大展，曾引来实验艺术究竟是被认可还是被招安的激烈争辩。中国美协党组副书记徐里在展前新闻发布会上表示，实验艺术首次纳入全国美展，“是国家美术发展史上的重大突破，全面反映了中国美术发展的面貌，也体现了全国美展的包容、自信和进步。”

 

　　但是，在所有奖项和获奖提名作品里实验艺术的全面缺位，让人感觉实验艺术依然被当作非常偏僻、另类的画种对待。

 

　　中国美术馆馆长吴为山在接受记者采访时表示，中国美术馆将会全力收藏十二届美展上表现出色的作品。

 

　　学术论坛

 

　　12月15日下午，当代中国美术建设学术论坛在中国美术馆7层报告厅举行。二十几位批评家、学者、获奖艺术家共聚一堂，为时代美术把脉。

 

　　薛永年：处理创新与继承的关系

 

　　“多年以来我们并不忽视创新，也不忽视横向比较，但是比较处理不好创新与继承的关系，因此作品往往更重视觉而不是心理，重新颖而不是文化厚度。”中央美术学院教授薛永年发言时说。

 

　　在美术领域有两大传统，一是古代的优秀传统，一是20世纪近现代的传统。薛永年认为，“五四新文化运动以来，特别是延安文艺座谈会讲话以来，最突出的就是现实主义的传统，既体现了现实主义精神，又使用了现实主义的方法。以金奖作品《儿女情长》为例，它继承了20世纪以来的现实主义传统。”至于古代的优秀传统，既有汉唐以来的文化性传统，也有宋以来发挥艺术精神的写意传统。“比如银奖作品《大山正月》，恢复了古代北宋以前高山大川的意境，不是个人的小情小趣，而是富有群体意识的意境。”

 

　　但是总体来看，本次中国画类获奖作品依然以工笔画居多，写意画不足。薛永年强调：“写意画蕴含着中国的哲学观、美术观，是屹立于世界之林的宝贵传统。”写意画近几年在西方所受到的重视，以及在体现主流美术取向的全国美展里的缺失，值得美术界深入思考。

 

　　王宏建：当代美术缺乏崇高感

 

　　从评选结果来看，全国美展推崇细腻朴质，积极向上，辐射出正能量的创作。中央美术学院教授王宏建认为，无论在当代美术界也好，整个文艺界也好，都缺乏表达崇高美的作品。

 

　　美有两个基本形态，一是崇高(sublim e)，一是优美(grace)。“文学家、艺术家有自己的生活，有自己独特的生活经历，独特的审美情感，不管是滑稽、秀丽、平实、细腻，都是艺术所需要的。但我们同样需要崇高的东西，需要英雄主义。”王宏建说，80年代中后期，有学者在哲学上提出来，要“回避崇高”。这个“回避崇高”，和美术上的泼皮、玩世现实主义、后现代和解构主义都有关系。

 

　　王宏建认为，北宋范宽的《溪山行旅图》，是崇高美的典范；上世纪五六十年代的革命历史画、人民英雄纪念碑雕刻，正是以崇高为主调；第二届青年美展上罗中立的《父亲》，传递出具有时代精神的巨大的悲剧感。”王宏建呼唤崇高，因为“崇高作为美学的一种基本形态不应缺失。”

 

　　邓福星：技术主义现象突出

 

　　著名美术史论家邓福星谈到全国美展的两个突出现象，一是画种间界限愈趋模糊，“漆画让我有耳目一新的感觉。它的表现方式，吸收了重彩、工笔甚至版画的东西。还有连环画和动漫，吸纳能力非常强。”一个是技术主义，这一点尤其体现在国画的工笔画里。入选的工笔画技巧圆熟，细节精美，无可挑剔。但过分沉溺于技术会有流于琐屑、思想苍白的危险。